ArteConTacto a Català

Accessibilitat per a les persones amb discapacitat visual

Guided Tour ArteConTacto

La missió d’ArteConTacto és la de facilitar l’accés a les persones amb discapacitat visual a exhibicions tan temporals com permanents, amb tecnologia d’última generació i el coneixement de primera mà tan en l’àmbit del comissariat com en el de la pedagogia. D’aquesta manera garantim solucions flexibles, assequibles i creatives que permeten al discapacitat visitar museus i centres d’art amb total llibertat i autonomia.


Contacte: Moritz Neumüller, Christina Hemetsberger
Espanya: 0034 605 64 1118
Àustria: 0043 660 344 77 55
Email: touch(arrova)artecontacto.org

Descàrregues:

Descarregar l’estudi de l’aplicació al MUSA (Museum on Demand), Viena.

Descarregar el llibre DAISY del programa al MUSA (en alemany).

Navigation System

La metodologia d’ArteConTacto està focalitzada en dues parts:
Per una banda, organitzem visites guiades regulars d’aproximadament una hora i mitja i amb un màxim de 10 participants. Les obres poden tocar-se, ja sigui l’original, un diagrama en 2-Dimensions o una representació en 3-D de l’objecte (objetos o fotos, o ilustraciones). Sempre guiats per un historiador de l’art i, com a mínim, amb un treballador social, depenent de la grandària del grup.

Per altra banda, preparem un kit de materials que permeten als invidents visitar l’exposició ells sols o en companyia d’amics i familiars; sense la necessitat expressa d’un guia i quan a ells els vingui de gust. Aquests materials són desenvolupats amb la col·laboració d’associacions d’invidents i també amb una escola per l’educació dels discapacitats visuals.

A més a més, les etiquetes a la paret de les obres seleccionades són en Braille. També comptem amb un sistema de navegació per les galeries del recinte i el kit està especialment dissenyat per ajudar al visitant a explorar, percebre i entendre l’exposició.

La guia d’àudio s’ha desenvolupat amb el sistema DAISY, un format especial per a la creació d’àudio-llibres per a discapacitats visuals. Funciona realitzant prèviament gravacions amb veus reals i posteriorment l’ordinador acobla els arxius en un MP3. D’aquesta manera un document de Word es converteix en àudio en qüestió de segons.

Un cop fet, el llibre pot descarregar-se des de la pàgina web del museu i instal·lar-se al reproductor DAISY del visitant. A aquells que no portin al museu el seu propi reproductor els hi deixarem un iPod Shuffle perquè puguin escoltar els arxius MP3. Aquest reproductor no té pantalla i és de fàcil navegabilitat.

Cada obra d’art es descriu en quatre parts:

1. l’autor, el títol, l’any i la tècnica,
2. la descripció formal,
3. la interpretació i detalls de l’artista i
4. un arxiu que explica com arribar a la següent obra.

Navigation

Una cinta especial enganxada al terra que té una superfície molt rugosa possibilita el sistema de navegació per les galeries. El camí a través de l’exposició està representat, a més a més, en un mapa tàctil a disposició de tots els invidents. Això no impedeix que els canvis d’última hora en la instal·lació es puguin integrar amb facilitat al sistema de navegació i al pla tàctil.

Per obtindre més informació, poseu-vos en contacte amb touch(arrova)artecontacto.org.

Proposta artística per a la participació de Catalunya i les Illes Balears a la 54ena edició de la Biennal de Venècia

Barcelona, 16 de juny de 2010

1 Entitat adjudicadora
a) Organisme: Institut Ramon Llull
b) Dependència que tramita l’expedient:  gerència
c) Codi d’expedient: 02/G935 N-comissariat Biennal Venècia E/R 04/ L100 E900 N- Biennal Venècia

2 Objecte del contracte
Contractació d’un projecte de comissariat que elabori una proposta artística per a la participació de Catalunya i les Illes Balears a la 54ena edició de la Biennal de Venècia d’Arts Visuals 2011 dins el programa Eventi collaterali.

3 Tramitació i procediment
a) Tramitació: ordinària
b) Procediment: negociat, d’acord amb l’article 158.d) de la Llei 30/2007, de 30 d’octubre, de contractes del sector públic (LCSP) amb la tramitació prèvia d’un concurs de projectes regulat a l’article 168 i següents de la LCSP

4 Valor estimat del contracte
1.000 euros per participant a la fase d’Idees (màxim cinc participants).
7.627,12 euros en concepte d’honoraris per a l’execució del projecte artístic durant l’any 2010.

Aquest valor estimat del contracte no inclou l’import de 7.627,12 euros (IVA no inclòs) que, d’acord amb la base quinzena, s’estableix en concepte d’honoraris per al desenvolupament i la direcció de la proposta artística guanyadora durant l’any 2011.

5 Obtenció de la documentació
A la pàgina web de l’Institut Ramon Llull es trobaran les bases del concurs de projectes  http://www.llull.cat

6 Presentació de les ofertes.
6.a. data límit de presentació d’ofertes: fins a les 12 hores del dia 30 d’agost de 2010
6.b. documentació a presentar: la requerida a la clàusula novena de les bases del concurs de projectes.

6.c. lloc de presentació: a la seu de Barcelona de l’Institut Ramon Llull: carrer Diputació 279, planta baixa, 08007 Barcelona, tel. 93 467 80 00 i fax 93 467 80 06.
6.d. horari: de 9 a 14 hores.

Les proposicions també es podran trametre per correu dins el termini d’admissió. En aquest cas caldrà justificar la data d’imposició de la tramesa a l’oficina de correus i anunciar a l’òrgan de contractació la remissió de l’oferta mitjançant tèlex, fax, mail (licitacions@llull.cat) o telegrama durant el mateix dia.


Documents

full taronja ANUNCI de licitació d’un contracte de serveis

full  taronja BASES per a la contractació d’un projecte de comissariat que elabori una proposta artística per a la participació de Catalunya i les Illes Balears a la 54ena edició de la Biennal de Venècia d’Arts Visuals 2011 dins el programa Eventi Collaterali

I invented a new Word: NASDAQuisation.

Hello World!

I was just writing to a friend who wants to move to Hong Kong, to work as a fundraiser in the expanding Arts Field of this city, mainly “because the government are currently investing millions developing a new ‘arts and cultural quarter’ there”.

Of course, I told her that fundraisers for the arts are ALWAYS needed… ANYWHERE… and that the art world of Hong Kong seemed fine to me, if you do not take the art part too seriously… As far as I understand, these iniciatives are mostly about the “cultural Industries” (I write the I as a capital letter only, not the c). At least that is what I learned from what happened in the 798 district in Beijing… And I cannot imagine Shanghai or Honk Kong to be better off, in this sense…

To be honest, I am a bit fed up with this kind of Emerging Markets Mentality in the art world, especially in China. Call me an elitist, but I just think that the growing Disneyfication and NASDAQuisation of the art word is not good for neither the arts, nor the artists, nor the public, on the long run. It is only good for the art collectors, a development pretty similar to what is going on everywhere else… was I just inspired because I had just seen (better late than never) Let’s Make Money by the Austrian documentary film-maker Erwin Wagenhofer?  Again, call me an arrogant Eurocentric elitist swine. But at least I have created a new word… when looking up NASDAQuisation on Google I found 0 (ZEEERO!!!) Matches, something that happens very seldomly. If anybody knows how to make BIG BUCKS out of my invention, please tell me, ASAP.

All the best, Moritz

Conversaciones (I)

La complejidad de la creación fotográfica

Andrés Garay Albújar habla con Moritz Neumüller

Su mirada está cimentada por su licenciatura en historia del arte por la Universidad de Viena. Su doctorado multidisciplinar le llevó a interesarse por las artes visuales y especialmente por la fotografía contemporánea. Su trabajo de curador y crítico de fotografía le ha permitido viajar por todo el mundo, logrando conversaciones personales con fotógrafos de todos los continentes. Moritz, como se le llama en confianza, ha evaluado obras de fotógrafos daneses, griegos, chinos, cubanos, españoles, franceses, irlandeses, peruanos, argentinos, alemanes en importantes festivales de fotografía.

El Dr. Moritz Neumuller estuvo recientemente de visita en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Piura donde impartió conferencias a los alumnos sobre la problemática y complejidad de la creación fotográfica y su convergencia con otras expresiones visuales contemporáneas.

Andrés Garay Albújar: Dirigiste una actividad en el festival de fotografía más importante en España (PHOTOESPAÑA) que se llamaba Descubrimientos.  Aquello te dio la oportunidad de estar en contacto con muchísimos fotógrafos jóvenes de todo el mundo. Entonces, ¿cómo podrías intuir o estar más o menos seguro de la calidad –potencial- de un fotógrafo? ¿Qué características debe tener la obra de un fotógrafo joven para que sea considerada consistente y coherente?

Moritz Neumuller: Creo que todo artista y fotógrafo tiene que tener algo en la cabeza, y tiene que dominar las técnicas y los medios que trabaja.  Un fotógrafo que no domina la técnica de tal manera no logrará un aporte real al medio ni a su público. Un fotógrafo tiene que controlar sus técnicas para que su cerebro quede libre para pensar sobre el contenido y que no se quede en cómo enfocar y en cómo sacar la foto.

A.G.A.: Desde la invención de la fotografía, se ha visto que es un medio complejo, permeable a múltiples usos, de difícil definición. Hoy en día la tecnología digital y el photoshop han revelado el secreto de las enormes posibilidades de expresión, manipulación y usos. ¿Crees que existe una fascinación por la gente joven por todos estos recursos digitales, subordinando o dejando de lado el valor de los contenidos y  de la calidad de ideas?

M.N.: Creo que es un hecho que la fotografía hoy en día, como la virtualización de otras expresiones o técnicas, está muy ligada al uso de la computadora. A través de la computadora se termina de definir la representación de la realidad porque con el ratón puedo interferir como si fuese una lupa, puedo sobre exponer una foto, recortar, etc. Son técnicas que, para destacar del montón, se necesita mucha práctica, mucha especialidad, mucho conocimiento y destreza.

Pero no nos engañemos. Hoy se puede hacer en arte las cosas que antes se solían hacían hacer, solamente que ahora se hace con mayor rapidez y con menos maestría. Pero la fotografía digital no es un conjunto, es una extensión en el campo virtual de las técnicas tradicionales. Y dominar las técnicas, como he dicho, es importante, pero sin pensar demasiado en ellas para poder concentrase en los contenidos que son realmente lo que importa. No creo que se podría decir en términos generales que las ideas hoy en día son más pobres, lo que sí se puede decir es que hay algunos, como antes también, que les gusta obsesivamente la técnica y  el photoshop. Con celular con cámara, todos somos fotógrafos hoy en día.  Tanto se ha hecho en fotografía en toda su historia que los fotógrafos nos suelen vender como nuevos logros de otros. En ese sentido la creación fotográfica se ha estancado.

A.G.A.: El célebre fotógrafo y teórico Paul Strand recomendaba a un grupo de fotógrafos jóvenes en 1920 que estudiaran y que se enteraran de la historia del medio, de la historia de la fotografía, para conocer por dónde han  discurrido los problemas que la fotografía ha tenido en su evolución  técnica y estética. ¿Es una propuesta que puede estar vigente hoy en día a pesar de los cambios tecnológicos?

M.N.: Sumamente vigente, y hoy más que nunca, mucho más que en los años 20.  Está claro que los grandes aportes a lo que entendemos hoy por fotografía están dados. Entonces cuando empiezas a desarrollar un proyecto y piensas que es una idea fenomenal y novedosa, pueda que no sea tanto así. Investigando con honestidad y humildad te vas a dar cuenta que, con un poco de suerte, tu idea es una buena aportación a algo que ya se ha trabajado mucho.

No saber nada al principio de un proyecto es bueno porque  entonces te animas, te ilusionas, exploras. Pero luego, de la misma manera como es importante dejar fluir tus sentimientos, tus emociones, tus ganas de experimentar con el medio, en el proceso de creación debería presentarse el momento reflexivo donde la parte analítica del cerebro se detiene y revisa lo que se ha hecho y por qué se he hecho.

Es importante evaluar si la obra encaja en el canon de la tradición foto histórica de la historia del arte. Porque siempre ha habido alguien que ha hecho algo similar y entonces es importante saber las fronteras donde quieres chocar o no chocar. Esto para los jóvenes tal vez es más fácil si vives en una metrópolis donde hay muchas exposiciones, donde también es posible discutir con expertos del tema, ir a inauguraciones, conocer a otros artistas, y estar en formación continua.  De hecho, en ciudades en donde no hay esta infraestructura artística es un poco más difícil, pero al fin y al cabo vivimos en la era del Internet y si se puede consultar con la restricción, obviamente, de que no todo vale.

A.G.A.: En ese sentido, por ejemplo en una ciudad como Piura donde las exposiciones fotográficas con muy escasas, creo que hay una o dos al año, ¿tú le recomendarías a un joven que haga el esfuerzo de exponer su obra físicamente, más allá de acudir a estos escaparates virtuales como Flicker  o Facebook?  ¿es importante que un fotógrafo muestre su obra en estos soportes físicos, en una exposición, en un espacio museístico

M.N.: Absolutamente. La importancia de una exposición consiste en varios factores, no solamente como presentación pública. El proceso es enriquecedor porque permite al artista tomar decisiones insólitas sobre su obra. Por ejemplo, la fechas de entrega y los ciclos que se cierran vienen muy bien en nuestro trabajo porque en cada proyecto hay un punto culminante.

A.G.A.: el ejercicio de concluir…

M.N.: Exactamente, de llegar a un punto, porque no se puede trabajar siempre el mismo tema, hay que cambiar, hay que cerrar ciclos.  Estas conclusiones pueden ser, deberían ser exposiciones o presentaciones, no tiene que ser forzosamente una exposición, puede ser un performance, un libro, una proyección, lo que sea, pero algún acto, algún ritual, porque  digamos el mundo del arte también vive de esos rituales culturales y el ritual más importante es la exposición. Por tanto, es importante exponer en una galería, en un bar, en un café, en la universidad, en una estación de tren.  La idea es llegar a un público específico durante un cierto tiempo, muy puntualmente. Definitivamente, el acierto de la presentación de la obra marcará el grado de influencia en el público.

Entonces la diferencia de la imagen que fluye por Internet y que se puede poner en Flicker o donde se quiera y la obra es justamente esto: el mundo del arte trabaja con obras y no con imágenes, una obra es algo físico, un objeto, un resultado que se presenta. La imagen es lo virtual.

A.G.A: ¿Y cuáles son las bondades de la virtualización de la fotografía?

M.N.: La virtualización de la fotografía, junto con la virtualización de otros medios, es decir, que en una cámara al apretar un botón o el otro grabas un video o sacas una foto, o al pinchar sobre un archivo en tu ordenador, cuando lo pinchas no sabes con que programa se va a abrir, puede ser un video, una foto, un texto, puede ser una mezcla, un hipertexto o lo que sea, esto lleva a los medios a una convergencia entre ellos.

La reconocida fotógrafa peruana Luz María Bedoya, por ejemplo, ha cambiado su forma de trabajar, crea sobre varios medios, con el video, con elementos performativos, proyecciones; es decir, todo este soporte efímero que envuelve a la fotografía es algo que toca constantemente a otros medios y que converge con otros. Este hecho ha cambiado profundamente la producción de muchos fotógrafos en el mundo que ya no piensan en la foto como imagen sobre papel sino en el proceso, en el proceso más que en el objeto.

Pero la fotografía tiene en su esencia esta increíble capacidad de interactuar con la realidad, la cual tienen muy pocos medios, salvo los que se derivan de la fotografía, como película, film, video.  Realmente esta frontera es una virtud y un peligro a la vez; el peligro es obviamente el viejo argumento “ah bueno eso también lo sé hacer yo”, “una foto lo hace cualquiera”, y otros peligros, digamos de este tipo. Pero es indudable que la fotografía tiene la gran virtud de que su punto de partida es la realidad, entonces puede decirnos algo del mundo. Y aún así la fotografía puede llegar a ser tan formalista y abstracta como la pintura, o no,  porque siempre se basa en lo dado. El fotógrafo tiene la posibilidad de conectar con situaciones desconocidas y gritar con sus fotos “ojo aquí pasa algo que me gusta o no me gusta”.

A.G.A: He visto que hay fotógrafos jóvenes que reciben encargos comerciales, de prensa, etc., y esos trabajos comerciales hecho por encargo se convierten en una obra expositiva. ¿Es válido plantear una exposición de un contenido que ha tenido una base comercial o periodística?

M.N.: En la historia de la fotografía hay numerosos casos de fotógrafos que han convertido un trabajo de uso comercial, de documentación, moda, o prensa, en proyectos artísticos. O al revés.  No hay ningún problema que un fotógrafo trabaje temas de diferentes modos, que con un ojo mire por la lente del cliente y por el otro vea una intención artística. No obstante, creo que un reportaje, un encargo que se coge tal como está y se mete en una sala de exposición nunca va a funcionar.

Convertir un reportaje en una obra de trascendencia artística tiene sus exigencias. Hay que reelaborar esos contenidos, y ahí entramos nuevamente al proceso de generación de ideas y puesta en escena.

A.G.A: ¿En qué consiste tu proyecto “Según las reglas del arte”?

M.N.: Según las reglas del arte va a ser un libro que estoy escribiendo cuyo subtítulo será “el camino hacia tu primera exposición”, o hacia tu exposición de fotografías.  Va a ser como una guía, un libro guía para jóvenes artistas y no artistas que quieren hacer algo con su fotografía en el mundo del arte, diciéndolo de una manera simple. Muchas veces en visionados de portafolios me encuentro con gente, con fotógrafos “comerciales” o de moda o de retrato, pero es gente que tiene poca experiencia o que no tiene una educación artística que me pregunta: “quiero hacer algo en el mundo artístico”, “quiero hacer también un poco de arte”, como si fuese esto otro registro fotográfico al de la moda, el retrato o la fotografía de productos, y se suelen dar cuenta con o sin mis consejos muy rápidamente que no es así. Hay muchas reglas o leyes no escritas que me gustaría exponer a la gente para que no les sea tan difícil, pues hay códigos o reglas ocultas que inhiben al principiante de entrar en este mundo.

A.G.A: ¿Una suerte de recetario para quien recién empieza a cocinar?

M.N.: Exacto. Tomando este ejemplo, una cosa es que cocines bien y la otra es que abras un restaurante; una cosa es que a tus amigos les guste lo que cocinas y lo otro es si puedes formalizar esto en un menú, en negocio, pero también en un arte. Y pare ello necesitas saber y aplicar ciertas reglas.

A.G.A: En Piura la fotografía se encuentra en un momento emergente de peculiar interés.  Hay varios estudios de fotografía artística, cuyo eje principal es el retrato, el encargo de eventos sociales, hay buenos fotorreporteros, potenciales artistas, y un movimiento comercial estable. ¿Qué nos recomendarías para mejorar el nivel?

M.N.: pues por un lado diría que estudien los maestros que han hecho exactamente lo mismo, es decir que han combinado un oficio con una vocación artística, y de inspirarse de esta manera en los grandes, que realmente se puede compaginar esos dos perfectamente. Y segundo, pensar en que lo que cada uno hace en especial y que solo yo puedo aportar. Hay un fotógrafo español, Juan de la Cruz Mejías que es fotógrafo de bodas desde hace 30 años y paralelamente a su negocio ha hecho un cuerpo de trabajo, un portfolio, varios libros de su trabajo las bodas, las novias, los novios, las preparaciones de la boda, la fiesta y son fotos extraordinarias. La serie se llama simplemente “Bodas”.  Es un gran ejemplo de cómo se puede jugar en entre fronteras. Este trabajo lo expusimos dentro de una exposición sobre fotografía española en China y la gente era muy crítica dijo: “pero eso no es arte”, “si algo no es abstracto, artístico, bonito, no es arte”. Pues justo ahí es eso lo interesante, lo que hace viva a la fotografía. Y el fotógrafo tiene el privilegio de transformar la realidad en códigos artísticos.

Sin embargo,  creo que hoy en día hay muy pocos artistas fotógrafos que siguen este mito de  que el fotógrafo no lee, pues a lo mejor en los años 60 era así, pero hoy en día el que no lee, no se forma, no sabe lo que se está cociendo en el interior de las personas, en otros países, en otras ciudades, en otras disciplinas, en la literatura,  poesía, cine o lo que sea, no puede ser buen artista porque no llegará a la gente.

Esta entrevista se ha realizado el día 17 de junio del 2010.

(c) Andrés Garay Albújar

BUCHPROJEKT “Nach den Regeln der Kunst. Mein Weg zur eigenen Fotoausstellung”

Erscheinungstermin: Anfang 2011. Autor: Moritz Neumüller. Verlag: Addison-Wesley (Pearson Deutschland).

Motivation und Zielgruppe:

Immer wieder lerne ich Fotografen kennen, die ihr persönliches Werk einer breiten Öffentlichkeit zeigen, also “im Kunstmarkt mitmachen” wollen, wie das manche ausdrücken. Tolle Bilder schießen alleine reicht dazu allerdings nicht, auch wenn es die zwingende Voraussetzung ist. Der Kunstmarkt für zeitgenössische Fotografie hat seine eigenen Regeln und (zumeist ungeschriebene) Gesetze. Ausstellungen und Portfolio-Reviews, Kuratoren und Vermittler, Rahmung und Hängung, Sammler und Kritiker… all das wird in diesem Buch beschrieben.

Die Gruppe der Berufs- und Hobbyfotografen, die in den künstlerischen Sektor vordringen wollen, stellt die Zielgruppe des Buches dar, ebenso wie die Abgänger der zahlreichen Fotoschulen und Akademien. Denn dort lernt man gute Fotos zu machen. Wie man sich in der Kunstwelt positioniert allerdings nicht.

Zusammenfassung:

Der Eintritt in den Markt für zeitgenössische Fotografie hat seine Tücken. Gute Fotos zu machen ist eine Sache, ein künstlerisches Werk zu schaffen und zu präsentieren, eine andere. Und so treten immer wieder die gleichen Fragen auf: Soll man sich eine Galerie suchen, oder auf eigene Faust vorgehen? Wie tritt man an einen Kurator heran? Wie an einen Journalisten? Wo soll man ausstellen, wann und wie? Was sind Portfolio-Reviews und welche soll man besuchen? Was ist überhaupt ein künstlerisches Portfolio, eine Serie, eine Edition? Oder anders gefragt: Wie präsentiert man sich und sein Werk?

Dieses Buch erklärt auf verständliche Weise die Regeln des Marktes für zeitgenössische Fotografie und enthält Anleitungen für einen erfolgreichen Einstieg in diese Welt der ungeschriebenen Gesetze. Neben theoretischen Konzepten gibt es Checklisten, Standard-Lösungen für Rahmung und Hängung, Textbeispiele für Werkbeschreibungen und Pressetexte, ein technisches Glossar und Fallbeispiele aus der Praxis.

Über den Autor:

Moritz Neumüller ist Kunsthistoriker, Medientheoretiker und Ausstellungsmacher. Nach Tätigkeiten am Museum of Modern Art in New York, beim Fotofestival von Madrid, PHotoEspaña, und dem Festival für Videokunst LOOP, arbeitet er heute als freier Kurator in Barcelona. Er lehrt an verschiedenen Universitäten und Schulen und riskiert zuweilen auch eigene künstlerische Projekte in den Medien Fotografie und Film.

Struktur des Buches:

1        Einführung
2        Der Künstler
2.1   Mentoren
2.2   Netzwerke und Vereinigungen
2.3   Fotokollektive
POC, NOPHOTO, Ostkreuz, Supay Fotos, Odessa, Tendence Floue, Est&Ost, Documentography, etc
2.4   Eigenvermarktung
2.4.1        CV
2.4.1.1      Ausbildung
2.4.1.2      Stipendien
2.4.1.3      Publikationen
2.4.1.4      Sammlungen
2.4.1.5      Preise
2.4.2        Portfolio / Dossier
2.4.3        Visitenkarten, Postkarten
2.4.4        CDs und DVDs
2.4.5        Web
2.4.6        Newsletter
2.4.7        Fanzines, Blogs, Social Networks
2.4.8        Eigenverlag und Print on Demand
2.5   Festivals und Portfolioreviews
2.6   Berufsbild
2.6.1        Überlebensstrategien
2.6.2        Moral und Ethik
2.6.3        Gesetzliche Regelungen
3        Das Werk
3.1   Medien
3.2   Materialien
3.3   Prozesse
3.4   Oeuvre
3.5   Werkdokumentation
4        Ausstellen und Vermitteln
4.1   Wann
4.1.1        Studienabschluss
4.1.2        Projekt
4.1.3        Retrospektive
4.2   Wo
4.2.1        Galerie
4.2.2        Ausstellungszentrum
4.2.3        Museum
4.2.4        Bars, Restaurants, Cafés
4.2.5        Öffentlicher Raum
4.3   Wofür
4.3.1        Verkauf
4.3.2        Präsentation
4.4   Wie
4.4.1        Planen
4.4.2        Budgetieren
4.4.3        Finanzieren
4.4.3.1      Förderungen
4.4.3.2      Sponsoring
4.4.3.3      Verkauf
4.4.4        Produzieren
4.4.5        Versichern
4.4.6        Transportieren
4.4.7        Hängen
4.4.8        Präsentieren
4.4.9        Dokumentieren
4.5   Mit wem
4.5.1        Einzel und Gruppenausstellung
4.5.2        Kuratiert oder nicht
5        Verkaufen
5.1   Preis
5.1.1        Kalkulation vom Materialwert
5.1.2        Kalkulation vom Marktwert
5.2   Kunde
5.2.1        Sammler
5.2.2        Institutionen
5.2.3        Familie, Freunde und Bekannte
5.3   Mittler
5.3.1        Galerien
5.3.2        Agenten
5.3.3        Händler
5.3.4        Auktionshäuser
6        Sammeln und sammeln lassen
6.1   Tauschen
6.2   Sammeln
6.3   Einbringen
6.4   Dokumentieren
7        Europäische Fotografie
7.1   als Konzept
7.1.1        Geschichte
7.1.1.1      Europa als Wiege der Fotografie
7.1.1.2      Fotografische Kolonialisierung
7.1.2        Länderspezifische Ausprägungen
7.1.3        Europäische Eigenheiten
7.2   als Strategie
7.2.1        Initiativen
7.2.1.1      Europäischer Monat der Fotografie
7.2.1.2      European Photo Union
7.2.1.3      European Photography Zeitschrift
7.2.2        Förderungen und Programme
8        Anhänge und Verzeichnisse
8.1   Checklisten und Formulare
8.2   Reale Budgets und Beispiele
8.3   Glossar
8.4   Index
8.5   Abbildungsverzeichnis
8.6   Empfehlenswerte Newcomer
8.7   Empfehlenswerte Meister
8.8   Festivals, Portfolioreviews, Institutionen
9        Fotografie im deutschsprachigen Raum
9.1   Bund Freischaffender Foto-Designer
9.2   Kunstvereine
9.3   Deutsches Fördersystem
9.3.1        Staatliche und halbstaatliche Organisationen
9.3.1.1      Götheinstitut
9.3.1.2      DAAD
9.3.2        Staat
9.3.3        Bundesland
9.3.4        Stadt

Portfolio Review / Visionado de Porfolios Argentina

XVI ENCUENTROS ABIERTOS
FESTIVAL DE LA LUZ
Agosto y septiembre -2010
FORO INTERNACIONAL
DE PORTFOLIOS 2010
5 al 10 de agosto en el Centro Cultural Borges, Viamonte esq. San Martin, 3er piso. Buenos Aires
EL Foro Internacional de Portfolios es un evento que forma parte de los Encuentros Abiertos – Festival de la Luz, una bienal que presenta exposiciones y diferentes actividades relacionadas con la fotografía artística en los principales museos y centros culturales de Argentina.
La revisión de portfolios es una actividad que se organiza en diversos países del mundo y que en nuestro país, la realiza el Festival de la Luz desde hace más de 10 años. El Foro Internacional de Portfolios permite a los fotógrafos argentinos y de la región, darse cita con destacadas personalidades de la fotografía artística nacional e internacional.
Dirigido a todos los fotógrafos que desean aumentar las posibilidades de difusión y venta de sus obras, esta actividad estimula el encuentro entre el autor y el gestor o especialista.
El Foro Internacional de Portfolios consiste en entrevistas personales de 20 minutos, donde los fotógrafos tienen la posibilidad de presentar sus trabajos y encontrarse cara a cara con directores de festivales, museos, galerías, como así también a curadores, coleccionistas y editores.
Este evento es una oportunidad única, a la que vienen fotógrafos de toda la región, ya que solo se realiza cada dos años en nuestro país.
El Foro Internacional de Portfolios es la única actividad arancelada del Festival de la Luz y requiere inscripción previa ya que los cupos son limitados.
La inscripción estará abierta hasta completar las vacantes. La misma será únicamente por mail y por orden de solicitud a la siguiente dirección: portfoliosfestival@hotmail.com

Premios
Los revisores invitados seleccionarán los 3 mejores portfolios y otorgarán los siguientes premios:
• Una exposición de los tres seleccionados en la edición XVII Encuentros Abiertos – Festival de la Luz 2012. Tendrán también un espacio destacado en la web del festival.
• Premio FotoFest. Una beca al mejor portfolio para participar en el “International Meeting Place” de FotoFest Houston 2012.
• Premio Ediciones Lariviere – Festival de la Luz. La obra de los tres autores seleccionados se publicará en un libro de arte a cargo de Ediciones Lariviere, el cual será presentado en la siguiente edición de Los Encuentros Abiertos.

Revisores 2010
Agnes de Gouvion Saint-Cyr (Francia) – Asesora General de Fotografía. Ministerio de Cultura y Comunicación de la República de Francia.
Alberto Goldenstein (Argentina) – Coordinador de Area de Fotografia y curador de la Fotogaleria – Centro Cultural R. Ricardo Rojas – U.B.A.
Carlos Carvalho (Brasil) – Director del Festival FestFotoPOA , Porto alegre, Brasil.
Dornith Doherty (EE. UU.) – Miembro del Consejo Directivo de la Society for Photographic Education y docente en UNT University of North Texas.
Ralf-Peter Seippel (Alemania) – Director de la Galería Seippel en Cologne (Alemania) y Johannesburg (Sudáfrica)
Fernando Castro (EE. UU.) Curador Independiente, crítico, y artista.
Fred Baldwin (EE.UU.) Co-Fundador y Director General de FotoFest Houston.
Gabriel Díaz (Argentina) – Editor Colección Fotógrafos Argentinos
Guillermo Fricke (México) – Director General del Instituto Álvarez Bravo de Oaxaca, a cargo de las residencias de artistas.
Iata Cannabrava (Brasil) Director del Fórum Latino Americano de Fotografia de São Paulo.
Joana Mazza (Brasil) – Coordinadora de Exposiciones de FotoRio, Productora y Profesora del Ateliê da Imagem y de la Universidade Candido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil.
Joaquim Paiva (Brasil)- Coleccionista de fotografía latinoamericana.
Juan Travnik (Argentina). Director: FotoGalería Teatro San Martín, Espacio Fotográfico Teatro de la Ribera.
Laura K. Nolden (EE. UU.) – Miembro de la Comisión Directora de FotoFest – Coleccionista.
Marjan Grothius (Argentina) – Curadora independiente y Crítica de Arte.
Melissa Harris (EE. UU.) Editora en Jefe de la Revista Apertura y curadora.
Oscar Smoljan (Argentina) Director del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén.
Patricia Pearson de Vergéz (Argentina) Coleccionista. Vice-presidenta de la Fundación Tantica.
Tony Valdéz (Argentina) -. Curador de la sala de arte Alicia D’Amico de la EAF, Miembro del Comité de Selección de los XVI Encuentros Abiertos – Festival de la Luz 2010 fotógrafo, docente y editor.
Wendy Watriss (EE.UU.) – Directora Artística y Co –Fundadora de FotoFest Houston.

+ información:
http://www.encuentrosabiertos.com.ar

Encuentros Abiertos – Festival de la Luz
http://www.encuentrosabiertos.com.ar / fla@encuentrosabiertos.com.ar
Campos Salles 2155 (1429) Buenos Aires, Argentina
Tel. (54 11) 4702 5225/4701-1772
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European Master of Fine Art Photography en Madrid

Anunciamos la creación del European Máster Of Fine Art Photography del Istituto Europeo di Design de Madrid, dirigido a fotógrafos con trayectoria profesional así como artistas del sector fotográfico que quieren abrirse un camino en el mundo del arte.

  • Fecha de Inicio del curso: Enero del 2011.
  • Dirigido por Moritz Neumüller.
  • Lista de profesores incluye a Martin Parr, Elger Esser, Simon Roberts, Andreas Müller-Pohle, y Beat Streuli.
  • Selectos participantes del Master se expondrán en nuestras institutos colaboradoras, el Central European House of Photography, Bratislava (Espacio de exposición, centro de investigación y entidad organizadora del Festival de fotografía de Bratislava, en el marco del European Month of Photography), la Galleri Image, Aarhus (Centro de exposiciones especializado en fotografía contemporánea) y PhotoIreland, el nuevo festival internacional de fotografía de Irlanda.

El concepto se basa en 3 pilares fundamentales:

  • El carácter internacional, con enfoque especial en el entorno europeo
  • La excelencia del profesorado
  • La orientación a proyecto artístico

Resumen de la propuesta:
Efectivamente, la propuesta del European Máster  Of Fine Art Photography nace de la premisa de que existe una identidad conceptual y creadora europea y que ésta es y debe ser un referente de primer orden en lo académico, lo cultural y en el mercado del arte. La propuesta no es sin embargo cerrada sino como todo lo europeo, es una invitación a la diversidad y al intercambio. En este sentido, la participación de alumnos de otros continentes resulta especialmente interesante y enriquecedora. Por otro lado, siguiendo la filosofía de IED Fotografía,  el European Máster Of Fine Art Photography exige el compromiso sincero de los mejores docentes/artistas por transmitir su experiencia personal y compartir con otros artistas, su encuentro con la creación. La selección de estos docentes es el resultado de un trabajo responsable de buscar siempre y ante todo los mejores comunicadores, docentes y maestros. De la misma forma, estamos convencidos de que una docencia de calidad sólo puede ser fructífera si el alumno traduce ese aprendizaje en el desarrollo y producción de un proyecto personal y esa, parece inevitable, habrá  de ser la medida del éxito tanto del alumno como del maestro.
En resumen, el European Máster Of Fine Art Photography es hoy por hoy la propuesta más ambiciosa en lo que a formación en fotografía artística se refiere y aspira asimismo a ser un punto de encuentro de artistas y profesionales para el enriquecimiento de este ámbito en España.

Programa académico

El programa del Master no destaca por los temas y los contenidos concretos. Mas bien, es la calidad del profesorado, el enfoque europeo y las colaboraciones con instituciones internacionales que harán la diferencia. No pretendemos inventar la rueda de nuevo, sino de apoyarnos en los conocimientos de los mejores del sector, su capacidad didáctica, sus canales de difusión.

Los cursos se estructuran de la forma siguiente, siempre basándose en la experiencia de los maestros y profesores invitados, y asentados en la teoría y la práctica:

  • Historia(s) del arte (dos módulos),
  • Teorías de la fotografía en la cultura de la imagen (dos módulos),
  • Expresión oral y escrita en el ámbito del arte,
  • Edición fotográfica,
  • Ética de la comunicación,
  • Teorías sociológicas y semióticas de la fotografía,
  • Nuevos medios (módulos teóricos y prácticos),
  • Lectura y construcción de la imagen,
  • Nuevo documentalismo,
  • Gestión y producción proyectos fotográficos (dos módulos),
  • Crítica ideológica y subjetividad fotográfica,
  • Reformulaciones del documental en el entorno digital,
  • Teorías de la (post-)fotografía en la era digital.

Estos cursos se complementan por la tutoraría personalizada en los ámbitos técnicos (gran formato, laboratorio, informática), artísticos (elaboración de conceptos artísticos, explotación de un tema, lectura de textos) y prácticos (location scouting, preparación de un porfolio, diseño, montaje, difusión). La tutoraría tiene importancia vital en la fase inicial del programa, y en la fase de la elaboración de los proyectos finales.

Además, ofrecemos un networking personalizado para los estudiantes, a través de colaboraciones con centros de arte, revistas de fotografía y comisarios internacionales. Los proyectos finales se muestran en una exposición colectiva, comisariada por el director del Master, y los mejores proyectos optan por exposiciones individuales y publicaciones en el ámbito europeo (festivales, centros, revistas, blogs, etc.).
Bilingue

Los cursos se imparten en dos idiomas, o en inglés o en español. Es imprescindible un alto conocimiento de ambos idiomas para la matriculación. Las instalaciones del IED Madrid consisten de talleres, platós, laboratorios y equipos informáticos de última tecnología.

Sin ganchos ni trucos
A diferencia de otros programas, este programa no incluye prácticas mal-pagadas en empresas del sector, pero sí visitas organizadas a empresas, charlas con profesionales del ámbito local, participaciones en proyectos culturales y la difusión de los proyectos finales.

Get aboard! ¡Ven a bordo! Komm an Board! Vinga, a bord! オンボード来る