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Repost – The Photographer’s Guide to Instagram Hashtags

Check out The Photographer’s Guide to Instagram Hashtags from PhotoShelter and Feature Shoot. An interesting survey with good tips.

I copied some of their conclusions here. You can download the full guide at photoshelter.com

We’ve seen that editors do use
hashtags to find new work, and regularly seek
new emerging talents via popular and niche
Instagram feature pages. Many photographers have been
hired, sent on assignments or sold prints due to Instagram
publicity, and there are many images which have the
potential to get this kind of attention if promoted well.
Across the board it seems that feature page curators, inundated
with new submissions every day, often judge images
based on the thumbnail—so this must be striking. A
combination of both submittable and searchable hashtags
does help you get more exposure, as both have their audiences.
Feature page curators also appreciate hashtags that
provide extra information about an image, for instance
those which communicate the camera used, the format,
the location. Many also explicitly ask for geolocation.
Below are a few further reflections on how to continue to
promote your photography using hashtags on Instagram.
How many hashtags should I use and
where should I put them?

While Instagram sets a 30-hashtag limit, most photographers
don’t adhere to this. Too many hashtags
can overwhelm users and discourage them from
checking out the rest of your profile. For this reason,
photographers who have already established large followers
tend not to use any. But you will want to use
hashtags if you’re still growing an audience and want
to draw interest beyond your existing followers. Some
photographers opt to include hashtags at the end of
the caption, is there is one, and sometimes these can
be divided by a “//“ for clarity. For aesthetic preferences, others put this information below the image as a
first comment. Either way, it will help your photograph
reach new people.

Hashtags to avoid
It is advisable to steer clear of spammy hashtags such as
#follow4follow which might get you followers, though
are likely to deter photo editors, fellow photographers
and photography enthusiasts.
Larger vs smaller submittable feature pages
This is really your call. Feature pages with larger followings
will without a doubt get you more exposure
should your photograph be selected, though these are
also more competitive due to the high number of submissions.
Smaller feature pages with a niche interest are
less competitive and may be worth applying to if they
have a particular aesthetic which you like, or if there
are editors or writers among their followers. To increase
your chances of gaining exposure, it pays to use hashtags
from a variety of feature pages, big or small.

How to find new Instagram hashtags
With time, some submittable hashtags become too
competitive, cease activity or have a change in artistic
direction. Fortunately it is always possible to find new
hashtags. Scouring the profiles of Instagram influencers,
photographers whose profiles are increasingly popular
or seeing who editors are following can help you discover
new feature pages. There are new ones cropping up all
the time. Some searchable hashtags become too overloaded
with spam and so sometimes it is worth playing with words to find new hashtags which still appeal to
people working within the medium and/or genre.
A note on the future of hashtags
That last point brings us onto another question; if
some searchable hashtags are becoming saturated with
spam or unrelated photographs, what is the future of
hashtags? It can be frustrating to search for what you
want via Instagram only to find images that are completely
irrelevant. More and more, editors and writers
are turning to submittable feature pages to get a curated
selection of photographs that have been qualitychecked.
Whether the hashtag method of submission
is sustainable, or more feature pages turn to email submission
is at this point unclear.

Final words
Beyond your use of hashtags, it is important to have
a consistent, quality feed, post regularly, and have an
interesting profile to keep your followers interested.
Architect and architectural photographer Jeroen van
Dam has been featured by big hubs, though has found
that what is most important for him is interacting
with other people on Instagram. “In that way they
are more likely to comment back and start following
you” he emphasizes. People who like your style and
are interested in the stories you have to tell will keep
checking up on you. Instagram is at times a reciprocal
platform—new followers are more likely to find your
page if you regularly engage with others, be it by liking
or commenting on their images.
Once you’re satisfied with the number of followers or
interest you can always opt to drop hashtags to get the
cleaner look that Instagram influencers usually go for.
Instagram is fun, and can also be a powerful tool for
promoting your photography.

8 Ways to get your work out there…

New Zealand artist Harvey Benge had his friend and colleague Antoine D’Agata scribble “8 Ways to get your work out there”, on the back of an envelope. Follow these steps and nothing can go wrong anymore.


1. 90% of life is showing up (Woody Allen)
2. Take the long view – 30 to 50 years
3. Make your work authentic
4. Don’t try and be famous
5. Don’t show dodgy work to everybody who has ever drawn breath
6. People work with people they like
7. Luck has a lot to do with it
8. Get naked, make porn

Article on DIY residencies (Repost from the Guardian)

DIY residencies: a career in the arts on your own terms

From 24-hour plays to co-op leasing, US artists are ditching traditional residencies in favour of working on their own terms
Last week, US rail company Amtrak officially began offering writing residencies on its trains after writers mounted a lively social media campaign sparked by an interview with author Alexander Chee, in which he floated the idea. The announcement attracted headlines around the world and put a mainstream spotlight like never before on the role that residency programs can play in fostering the development of both artists and their art.

At the same time, however, the fact that so many writers were clamouring for Amtrak to launch the programme underscored that formal residencies are often out of reach for many artists. They can be highly competitive and are often too lengthy or too far away to be affordable for the many artists who rely on day jobs to make ends meet.

It is not surprising then that more and more artists are taking matters into their own hands by organising do-it-yourself residencies. These pioneers are establishing new models for residencies by experimenting with alternative approaches to funding, space and time, while still creating an experience that allows them and other artists to break away from the daily grind in order to explore and develop ideas, collaborate and network with other artists, and make art. Some of the innovative ideas and solutions being tested include:

Co-op leasing

To avoid the huge financial outlay of owning a facility to host a residency, the Austin-based Rubber Repertory theatre used a co-op financial model to help cover the cost of the lease on a church space for their own long-term placement. It supplemented its costs by offering affordable short-term residencies ($50 for a week stay) to more than 80 artists from around the world over the course of a year.

Theatre company co-founder Josh Meyer recently told Fast Company that anyone could easily copy their model: “The artists don’t need a lot from us. What we’re really giving them is the time and the space. Anyone with a year to do this could probably start their own artist colony.”

Crowdfunding

Crowdfunding sites such as IndieGoGo, RocketHub, and Kickstarter are powerful new tools that artists can use to both fundraise for a residency program and to engage a broad base of project supporters. In fact, Rubber Repertory raised over $9,000 via crowdfunding campaign to cover a portion of rent and utilities on the church space it used for its residency.

The Indy Convergence, founded by a trio of artist entrepreneurs, including an actor, dancer and designer, has also successfully used crowdfunding to fund its pop-up residency – a two-week summer gathering of professional artists from across the US who collaborate on cross-disciplinary projects.

The 24-hour residency

One way to make costs more manageable is to significantly limit the length of the traditional residency experience. There are many examples of creative professionals from diverse disciplines who have come together to collaborate and create an original artwork within a restricted timeframe, such as 24 Hour Plays, the 48 Hour Film Project and twenty-four magazine.

By limiting their lengths, these projects make it easier for more artists with day jobs to participate and, more importantly, maximise the potency and creative energy of the artists’ time together. The accelerated creative process allows ideas to be explored and processed overnight, cultivates new creative relationships in real-time, and leaves participants with a renewed sense of motivation, self-confidence and purpose.

Earned revenue

Detroit-based choreographer and dancer Kristi Faulkner worked out a deal to use under-utilised space at Michigan State University for her DIY residency. To cover the additional costs of a three-artist residency, she ran classes for the public to generate the needed funds. She invited two other collaborators from different disciplines – artists she wanted residency time to create new work with – which resulted in a larger audience for the classes by attracting people passionate about different artforms.

As a variation on the idea, artists could approach local schools or colleges, which are vacated during the summer, or a holiday resort or campsite, which tend to be under-used in the winter, and offer their artistic expertise as a service.

A month-long residency in a cabin in the woods with complete privacy to focus on creative work will never be accessible or feasible for most artists. Thankfully, more and more artists are reimagining the traditional residency for a new generation of independent artists who are building and sustaining careers in the arts on their own terms.

Lisa Niedermeyer is a programme director at Fractured Atlas – follow the organisation on Twitter @FracturedAtlas

Repost from Guardian Culture Pros Network.

 

Repost: Sochi Project and Crowdfunding – Interview

Photographer Tina Remiz recently interviewed her peers Rob Hornstra and Arnold van Bruggen – the duo behind The Sochi Project – for IdeasTap. This is a repost of the article, which gives great insight into their work (just in time for the Olympic Games) and into themes such as Crowdfunding, Collaborative work and documentary photography. Enjoy!

Zarevitch Capitanovsky

 

Rob Hornstra and Arnold van Bruggen on the Sochi Project

Since 2007, photographer Rob Hornstra and writer-filmmaker Arnold van Bruggen have colllaborated to document Sochi, Russia, where the 2014 Winter Olympic Games will be held. They talk to Tina Remiz about crowdfunding and working across different platforms…

How did The Sochi Project change over the years you worked on it?

Arnold van Bruggen: We originally intended it as an online project with a large publication at the end. When we launched a crowdfunding campaign to finance the work, we promised our donors an annual gift and, because we’re real book lovers, we decided to make a publication at the end of each year.

Rob Hornstra: The first annual publication – Sanatorium – was just a booklet, but in 2010 we produced a really comprehensive document about [the territory of] Abkhazia, which was received and reviewed by many as a book on its own. This made people take The Sochi Project more seriously.

Why did you decided to divide the project into smaller stories?

Rob: Early on in the project we realised that it could be divided into three regions, so each one became a separate chapter of the story. This model fits our way of working. We do slow investigative journalism, spending a long time on each story, which allows us to make separate publications for each chapter.

 

The Sochi Project © Rob Hornstra / Flatland Gallery

 

Why did you decide to crowdfund? 

Arnold: We didn’t want to depend on arts grants or compromise the narrative to sell articles editorially, so crowdfunding seemed like a logical choice. We had a story with a clear deadline that involved the Olympic Games, a centuries-old conflict and the incredibly photogenic region of Abkhazia, so we were sure to have thousands of donors in the first year.

Rob: We believed there was a dedicated crowd, that understands this kind of story can’t be funded by the traditional media and is ready to pay for it directly. Probably we were a bit naïve.

Why did you decide to set up your own crowdfunding system instead of using platforms like Kickstarter and what did you learn from the experience?

Arnold: Back in 2009, crowdfunding wasn’t that popular; Kickstarter was just starting out and run by an invitation-only policy. Even now, the most successful crowdfunding campaigns are for short-term projects with clear goals, like “fund my book” or “pay for my trip”. We had a five-year-long project and would have to ask for around €300,000 at once, with no or little material to show.

Rob: One of the inspirations for our crowdfunding model was the Obama campaign, which was largely funded by very small – around $5 – donations. We set up a three-level donation model for €10, €100 and €1,000 and called them bronze, silver and gold respectively because of the Olympic Games reference. Our goal was to convince 1,000-2,000 people to donate €10 per year in exchange for some behind-the-scene stories – but that was a mistake. The crowdfunding system required a lot of administration, and we never had more than 300 bronze donors at a given time.

The biggest challenge was bridging the gab between people saying that they’d donate and actually doing it. This wasn’t because they didn’t want to fund the work, but because the step of giving €10 was too insignificant for them. On the other hand, silver and gold donors were very loyal to the project and infused it with substantial amounts of money.

 

The Sochi Project © Rob Hornstra / Flatland Gallery

 

What would you recommend to someone considering crowdfunding?

Rob: Keep it simple, set a clear goal and make your campaign a bit sexy to increase the audience.

Arnold: Know what you’re getting yourself into and be prepared to spend 50% of your time working on the project and 50% administrating the crowdfunding campaign.

Rob: On the bright side, by the time you finish the project, you have a dedicated audience enjoying and willing to promote your work.

The Sochi Project now exists in the form of a book, exhibition and website – what are the differences between each?

Rob: The storyline’s the same, but you get a different experience on each platform. We achieve this by separating the responsibilities: Arnold is in charge of the website, while I manage the exhibition and we bring the Kummer & Herrman design team on board when working on the books.

Arnold: We went through several versions of the website and settled on one that presents a tight edit and strictly linear narrative and allows us to control how you experience the story.

What advice would you give photographers and journalists planning to work on a long-term project?

Arnold: Be ambitious and look for opportunities to collaborate. Make complex stories and care not only about the content, but also its presentation

Rob: Focus on quality. There are too many people trying to do everything at the same time. Don’t underestimate what you can achieve either, just set out to make the best project ever.

 

The Sochi Project © Rob Hornstra / Flatland Gallery

 

 

Images: © Rob Hornstra / Flatland Gallery. From: An Atlas of War and Tourism in the Caucasus (Aperture, 2013).

Original article

Repost: Article on Spanish Photobooks

This article was posted today by Madrid-based Valeria Saccone, just in time for tomorrow’s F.I.E.B.R.E. book fair. Using a similar model as the Parisian OFFPRINT, PhotoIreland’s Book and Magazine Fair, and the recently announced Photobook Bristol (organised by RRB Books), F.I.E.B.R.E. will feature local and international publishers – and self-publishers. Valeria quotes Martin Parr, who was recently in Madrid, for his annual workshop in the IED Madrid’s European Master of Fine Art Photography, and Horacio Fernandez, who will open his exhibition at the Reina Sofia, on recent Spanish photobooks next week (here is the Press Release as PDF, in Spanish). She also mentions some of the recent highlights, such as Ricardo Cases’ Palomas en el Aire, Cristina de Middel’s Afronauts, Carlos Spottorno’s PIGS and Oscar Monzón’s Karma, as well as Txema Salvans’ The Waiting Game, Antonio Xoubanova’s book on the Casa de Campo and Julian Barón’s CENSURA.

And there is more to come, such as the exhibition which Horacio Fernandez is preparing for PHotoEspaña 2014, on historic photobooks, or the visit of Kassel Photobook Festival’s Dummy Collection to the IED Madrid Photography Department this coming summer. Some speak of a bubble in the photobook market. For example, the Photobookclub Barcelona posted a critical article by Alex Sinclair on its Facebook page, and there was a vivid discussion on the subject. For photographers from Spain, however, the photobook seems to work, and there publication projects are highly recognized by critics and the public. Or, as Cristina de Middel has told me in an soon-to-be published interview for the next PhotoResearcher Magazine:

Is true that there have been suddenly many photobooks in Spain, but all seem to have their place in the market … they are totally relevant books, it’s not like “I’m going to do a book because it is fashionable to do the book.” They were made because the book-form it was the best solution for the particular work.

Enjoy Valeria’s article, in its original version hereafter, or in its automatic Google translation!

Moritz


El fotolibro revive y los españoles tienen mucho que ver con ello

by , (@valeria_ypunto) December 13, 2013

twg2013

“The photobook is here to stay”. El fotolibro ha llegado para quedarse. Lo dice Martin Parr a su paso por Madrid, donde ha venido a presentar Los inconformistas, su libro número 65. Nada del otro mundo, comparado con los 12.000 volúmenes que guarda, religiosamente ordenados por países, en su casa de Bristol. “Hemos asistido a un retorno del fotolibro en la última década y eso continuará. Cada vez más personas están entusiasmadas con los fotolibros”, asegura Parr, que en su frase usa “revival”, una palabra que rezuma nostalgia.

El gurú del género no es el único que augura larga vida al fotolibro. Horacio Fernández, comisario y director de PhotoEspaña entre 2004 y 2006, se expresa con palabras idénticas.

“El fotolibro ha llegado para quedarse”, afirma desde una mesa del Café Comercial, un lugar histórico para las tertulias. “Deja-vu”, como diría Ralph Gibson. “Hoy asistimos a una búsqueda de público y de comunicación por parte de los fotógrafos. Antes solo había una vía comercial para mostrar las fotos: las revistas y la publicidad. Esta generación ha intentado hacer visible su trabajo de otra forma, con fotolibros, fanzines… Seguramente habrá una bajada, siempre hay subidas y bajadas en la montaña rusa del arte, como en los años 80 y 90, cuando casi no se producían fotolibros, y eso que se hacían cosas de mucha calidad”, matiza Horacio.

“Libros de fotografía se han hecho desde que la tecnología lo permitió. Lo que sucede ahora es que se les está dando más protagonismo y se están viendo las posibilidades de este medio”. Palabra de Eloi Gimeno, el diseñador que ha contribuido a crear Karma, de Óscar Monzón, considerado el mejor primer fotolibro del año en Paris Photo 2013. “El libro se quedará, pero posiblemente el interés de coleccionistas y de personas dispuestas a pagar grandes cantidades de dinero por libros nuevos acabará desapareciendo. Como en todo, el tiempo pone las cosas en su sitio”, añade Eloi.

El libro de Óscar Monzón ha sido coeditado por la francesa RVB y por Dalpine, una distribuidora de libros online que ha contribuido de forma decisiva a impulsar la cultura de los fotolibro en España. “Es una tendencia que ha ido afianzándose a lo largo de varios años. Los fotógrafos confían cada vez más en este formato para dar a conocer su trabajo y que este llegue a un público más amplio”, reflexionan los fundadores, José Manuel Suárez y Sonia Berger.

El interés por el fotolibro se extiende por Europa y los españoles se están llevando una buena tajada. Además de Karma, el libro de Carlos Spottorno, The Pigs, acaba de recibir el Photobook Award 2013 al mejor libro de fotografía del año en Kassel, Alemania.

The Pigs cover

Portada de The Pigs de Carlos Spottorno

The Pigs es una obra con fuerte contenido político. No es un asunto ni personal ni poético. Yo utilizo todas las herramientas que mejor domino -la fotografía, el diseño y la comunicación de masas- para hacer activismo político, para analizar la deriva histórica de los núcleos de poder, la manipulación periodística y los estereotipos. Y por supuesto, para invitar a la autocrítica. Porque a pesar de todo, no todo es culpa de los demás”, explica Spottorno.

No es el primer año que los fotógrafos españoles llaman la atención de críticos y expertos internacionales. En 2012, también lo lograron Cristina de Middel y Julián Barón. Ambos quedaron finalistas en Paris Photo. The afronauts, que también fue nominado para la prestigiosa Deutsche Börse, se agotó en dos meses y sus ejemplares llegaron a costar 2.000 dólares en eBay, un ejemplo de la locura que puede llegar a desatar la autoedición bien empleada. Hoy el nombre de Cristina está muy cotizado. En 2012 llegó a hacer 25 exposiciones en toda Europa y periódicos como el New York Times y The Guardian han confiado en ella.

C.E.N.S.U.R.A., de Julián Barón, también se ha convertido en un libro de referencia internacional aunque su autor no canta victoria para la industria. “Es cierto, se puede decir que son buenas noticias. Pero es pronto para hacer balance, todavía queda mucho camino por recorrer”, asegura Barón.

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Censura de Julián Barón

¿Estamos antes un momento dulce de la fotografía española? “Agridulce, diría yo. Es muy difícil trabajar en estas circunstancias, tanto para los propios fotógrafos como para los que estamos a su servicio, es decir los editores, diseñadores, comisarios, críticos… Por otro lado, es maravilloso ver que vale la pena y que hay tanto reconocimiento internacional para lo que se crea en este país”, señala Moritz Neumüller, responsable del Máster de Fotografía de Autor del IED.

“Donde yo vivo no hay demasiada dulzura. Todo es trabajo, trabajo, trabajo y pocos resultados satisfactorios a todos los niveles. En España se ha derrotado la cultura, la educación, lo social”, apunta Barón con cierto desconsuelo. “Si algo hay aquí es temperamento, cabezonería y capacidad de sacrificio. Es un topicazo, pero creo que se nota en el resultado de los proyectos de muchos fotógrafos españoles”, agrega Monzón. Es la visión desde dentro de los que no han parado de trabajar en la última década, “los eternos caminantes”, como algunos definen a los fotógrafos de Blank Paper, un colectivo que acaba de cumplir 10 años.

Entre ellos está Ricardo Cases, que con su Paloma al aire ha removido la fotografía española dentro y fuera de nuestro país. Su trabajo sobre el culto evangélico en los EE UU ha sido aclamado por Time LightBox.

Sin olvidar a Antonio Xoubanova, cuyo Casa de Campo ha sido publicado por Mack, la prestigiosa editorial británica. “Para mí ha sido una muy buena experiencia trabajar con un editor que ha hecho muchos de mis libros favoritos. He aprendido muchas cosas y le han dado muy buena visibilidad al trabajo. Es el mejor contexto que podía tener. Esto te anima a seguir trabajando”, señala Xoubanova.

Casa de Campo de Antonio M. Xoubanova

Casa de Campo de Antonio M. Xoubanova

No son los únicos. El colectivo NoPhoto es otro ejemplo de “cabezonería”, por citar las palabras de Monzón. Sin embargo, el balance que hace uno de sus fundadores es más optimista. “Era mas fácil de lo que parecía, solo había que conseguir que los buenos fotógrafos que siempre ha habido se atrevieran a salir fuera a enseñar lo que estaban haciendo”. Así explica Juan Valbuena el reconocimiento internacional que por fin ha llegado a los autores españoles.

“Desde finales de los 90, hay circunstancias que han ayudado de un modo evidente y que han creado una pequeña red local en torno a la fotografía, formada por festivales, colectivos, instituciones, comisarios, galerías, editoriales, escuelas, librerías y consumidores. Para mí solo falta una buena revista de tirada nacional con un buen editor gráfico y un par de críticos. De ese modo, ya estaríamos todos y nos podríamos poner a crecer”, añade Valbuena, que este año ha lanzado Phree, una editorial “especializada en fotografía documental en primera persona”.

“Aquí está llegando ahora lo que en otros países empezó hace muchos años. En España ha habido un fuerte retraso cultural por el paternalismo de las instituciones. Pero hay otro elemento: si los españoles están triunfando es porque no han parado de trabajar en la última década”, alega Fosi Vegue, director de la escuela Blank Paper.

Txema Salvans, ganador del tercer Concurso Fotolibro Iberoamericano de la editorial mexicana RM con The waiting game, atribuye ese ‘descubrimiento’ de la fotografía española a varios factores: una nueva generación de fotógrafos jóvenes, que dominan la tecnología y son capaces de enviar fuera los trabajos; y el hecho de que la idea del proyecto como trabajo fotográfico se ha instaurado de una manera definitiva. Expertos receptivos y amantes del fotolibro, como Martin Parr, han hecho el resto. “Está claro que se está alimentando un caldo de cultivo y una forma de ver las imágenes totalmente nueva y eso provoca la creación de nuevos proyectos”, resume Fosi Vegue.

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The Wainting Game de Txema Salvans

A todo esto se ha sumado el tema de la crisis en España. “Nos ha dado visibilidad en otros países, aunque no sea por lo que nos gustaría. Y ahora cuando ves un proyecto sobre España hecho por españoles, ya te interesa. Pero este es otro asunto. Por fin los españoles hemos empezado a fotografiar lo propio. Excepto Cristina García Rodero y unos pocos más, en general casi no había trabajos sobre el territorio. Y al final estos proyectos acaban teniendo mucha fuerza”, señala Salvans. “Lo que está triunfando es el libro español con mucho carácter y con un lenguaje propio, como los de Cristóbal Hara. Este es el país de Buñuel y de Ortega y Gasset: lo hemos mamado y ahora lo vomitamos”, analiza Vegue.

El resultado se refleja en una amplia producción de libros. “Cuando dirigí PhotoEspaña, era difícil encontrar a fotógrafos jóvenes con proyectos interesantes. Pero a partir de 2009, la cosa explota. El próximo 17 de diciembre inauguro una exposición de fotolibros en el Reina Sofía y muchos (y buenos) están hechos por españoles entre 2009 y 2013”, afirma Horacio Fernández. “Una vez más corroboro que las crisis son buenas para la creación”, bromea.

Su análisis mordaz va más allá: “Ahora seguramente tendremos una sobredosis de reconocimiento a esta generación. Veremos festivales dedicados a la fotografía española y a curadores rancios que intentarán apuntarse el mérito (esto lo puedes poner tal cual)”, asegura Horacio. Por supuesto, no se refiere a la exposición sobre fotografía española que se inauguró el 13 diciembre en Le Bal, en París. Un homenaje a Ricardo Cases, Antonio Xoubanova, Aleix Plademunt y Óscar Monzón.

“Lo que hay ahora mismo en España son fotógrafos y artistas con mucho talento, que han sabido encontrar imágenes que interesan al público. La clave está en las personas, en la calidad de sus miradas y en su capacidad de superar las dificultades. Es el caso de Ricardo Cases, Julián Barón, la gente de Nophoto… Es una generación brillante, que todavía tiene mucho que dar de sí y que seguramente formará a la siguiente generación”, señala Horacio. “Es una respuesta espontánea y desde abajo que perderá toda la fuerza e interés cuando se fagocite. Nos están comprando”, advierte Eloi Gimeno.

La palabra crisis se repite una y otra vez en el discurso de fotógrafos y comisarios. “Por un lado la crisis nos ha obligado a salir fuera de España para encontrar algo de reconocimiento y espacio de crecimiento, ya que España está en un momento muy delicado desde el punto de vista de la cultura. Eso no ha sido fácil para todo el mundo, porque cuando no se tiene trabajo ni dinero, es complicado participar en el juego internacional, que es caro y exigente”, señala Spottorno. “Por otro lado la crisis nos ha hecho detenernos a reflexionar. Hay mucha gente fotografiando este momento tan peculiar, lo que de alguna manera genera un ‘corpus’ que en algún momento deberá ser estudiado”, añade.

Karma de Oscar Monzón

Karma de Óscar Monzón

Horacio Fernández cuenta que en Gran Bretaña el arte después del pop art tuvo una etapa ruinosa durante mucho tiempo, al igual que la literatura y el cine. Una tendencia que se rompió en la época de Thatcher, cuando hubo una explosión de creatividad.

“Otro ejemplo es Holanda, donde no se hace arte plástico de calidad desde hace mucho tiempo. Lo han matado las subvenciones. Todos los años los artistas tienen la obligación de entregar al Estado una obra de arte, que se acumulan porque nadie las quiere: ni siquiera los hospitales o las empresas como meros objetos decorativos. ¿Por qué? Porque son malas. Hoy cuesta trabajo nombrar a un solo artista holandés decente. El mundo de las subvenciones crea monitos amaestrados. Y las crisis eliminan estas figuras: gana el que resiste, el que tiene más cosas que decir”, asegura.

“Aunque siempre es delicado relacionar crisis y creatividad, lo cierto es que en muchos aspectos es directamente proporcional. La necesidad de opinar, de comunicar posiciones respecto a la situación social es más acuciante. Parece natural que se multipliquen las propuestas y que el contexto actual sea un escenario recurrente”, destaca Alejandro Castellote, curador independiente y director del Máster Latinoamericano de Fotografía en el Centro de la Imagen de Lima.

“La crisis y los despidos en medios de comunicación, periódicos en su mayoría, han provocado que fotógrafos que llevaban mucho tiempo experimentando con la fotografía en sus huecos libres, hayan podido dedicar todo su tiempo y energías a profundizar en la fotografía”, asegura Olmo González, fotógrafo y apasionado del género. Ejemplo de esto son Óscar Monzón y Antonio Xoubanova, que antes de trabajar por cuenta ajena estuvieron en El Mundo. “Un día me llamaron por teléfono y me dijeron que no iba a trabajar más, y eso fue todo. A la postre puedo decir que es el mayor favor que me han hecho nunca, porque gracias a esto he podido dedicar a mi proyecto el tiempo que necesitaba”, cuenta Óscar.

Pero ¿qué futuro le espera al fotolibro? Está claro que la autoedición ha contribuido a su crecimiento y difusión. Es un hecho que la mayoría de los libros que aparecen en las listas internacionales de lo mejor del año son autopublicados. ¿Es el camino lógico en está década?

The Pigs - Book

Foto: Carlos Spottorno de su obra The Pigs

“Es una consecuencia de la informática. La facilidad de los programas de edición y de impresión simplifican la autoedición”, señala Horacio Fernández. “Los formalistas decían que las nuevas técnicas crean nuevas formas artísticas al cabo de un tiempo. Es un juguete muy bueno y es lógico que se produzcan libros derivados de estas técnicas. Luego habrá que limpiar. El tiempo se ocupará de eso y el propio artista también, comparando su libro con el de otros”.

Los fundadores del Photobook Club de Madrid, que organizan varias actividades mensuales para fomentar la cultura del fotolibro, creen que hay un exceso de autopublicaciones. “Es por falta de cómplices que asuman riesgos y faciliten el camino, que conozcan el medio, no solo la parte técnica, sino todos los procesos a posteriori: la distribución, la difusión y promoción del libro. Un síntoma de todo eso es el éxito reciente en los premios europeos de fotolibros hechos por fotógrafos, editores y diseñadores españoles. Estos libros son publicados, distribuidos y promocionados por editoriales de fuera de España o en coediciones, lo cual da cierta esperanza”.

Para Olmo González, es bastante probable que se conviertan en objetos de coleccionista, con tiradas cortas y caras. “Pero siempre habrá espacio para libros accesibles en cuanto a precio, y seguramente la tendencia sea hacerlos accesibles también en cuanto al contenido. Ahora mismo llaman la atención internacional libros de fotografía cuyo lenguaje queda bastante alejado de la población”, asegura.

Y aquí está el quid de la cuestión: la endogamia de un soporte que muchas veces no consigue salir del mismo círculo de siempre. “Hay libros hechos por fotógrafos para fotógrafos, comisarios, galerías o festivales”, advierte Fosi Vegue. “Cada vez pienso más que la fotografía debería ser un grito contra todo lo que está pasando en el mundo. Para mí el paradigma sigue siendo Oliviero Toscani con sus vallas publicitarias y su capacidad de comunicarse con todo el mundo. O como Ai Weiwei, aquel fotógrafo chino que usa la fotografía como arma política y se arriesga mucho”, añade.

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Paloma al aire de Ricardo Cases

Salir de esa endogamia parece haberse convertido en una necesidad para algunas personas del medio, como Juan Valbuena. “Es lo que PHREE intenta con cada libro que hacemos. Por eso reivindicamos el papel de la fotografía documental en papel. Creemos que la foto que maneja como referente una realidad tiene códigos compartidos con más personas y, por tanto, puede comunicar mejor y ser más relevante”.

Julián Barón también cree que es importante trabajar en este sentido. “Lo hago todos los días, sin descanso. Una de las estrategias para que nuestra visión del mundo a través de la imagen llegue a mas público es la educación y que no existan trabas para el acceso a la cultura. Sin educación estamos muertos”, apunta. “Tendría que haber una gran enciclopedia y libros de fotografía en todos los colegios y las bibliotecas. Porque a veces llega más una foto que muchas páginas de libros de historia”, añade Fosi Vegue.

El éxito de un fotolibro no depende tanto de las ventas, sino de la intención con la que se crea la obra. “Por ejemplo, si yo hago un libro con fotos de la boda de mi hermano, lo considero un éxito si le gusta a los novios y sería un exitazo si le gusta a toda la familia. Si, en cambio, lo que se persigue es hacer un superventas, habría que utilizar un lenguaje más asequible y no quejarse de que la gente no te entiende”, señala el Photobook Club Madrid.

Hay quien cree que una feria del fotolibro ayudaría a afianzar este género, una carencia que FIEBRE, organizada por la escuela Blank Paper, intenta suplir. Otros, como Valbuena, vislumbran “un futuro híbrido, con productos en papel que tengan continuidad en pantallas, tipo web asociadas con información ampliada, y al revés”. Y por qué no, un fotolibro digital que dialogue e interactúe con las tabletas. “Ya hay algunos artistas que utilizan códigos QR para que puedas escuchar una entrevista mientras miras el libro. Pero los QR son muy feos y tecnológicamente obsoletos. Serán sustituidos por otros códigos mas inteligentes”, prevé Moritz Neumüller.

“Me gusta pensar que en un futuro será posible hacer tiradas de 10.000 ejemplares. Esto bajaría los costes de producción y los precios”, señala Xoubanova. Hoy las tiradas de los fotolibros van desde los 100 ejemplares a los 4.000, en el mejor de los casos. Del libro de Salvans se han hecho 2.000 ejemplares. “¿Tú te imaginas 2.000 ejemplares en un cómic, en un libro de niños, en literatura? Sería un negocio ruinoso”, dice el autor, que acepta que no todo el mundo puede conectar con este lenguaje.

“Nosotros de alguna manera somos frikis en eso de la fotografía. La porción de personas que se interesan por nuestro trabajo aún es muy pequeña (…) Pero yo no me siento solo en este mundo, ni necesito a más gente a mi alrededor. Nunca he estado tan bien como ahora. Estamos en el mejor de los momentos”, añade Salvans.

¿Entonces podemos jubilar el concepto de foto única y de instante decisivo? “Hoy las fotos tienen más sentido como series. Eso ayuda a solucionar el problema clásico de la fotografía con el tiempo, porque una foto solo muestra un instante congelado. El cine superó este escollo a la perfección, con la sucesión de imágenes y un discurso. Los fotolibros son hoy lo que en su día fue el cine”, concluye Horacio Fernández.

John Cleese on Creativity (Lecture reposted from Genius.com)

http://genius.com/John-cleese-lecture-on-creativity-annotated

In this excerpt from his now-famous lecture, John Cleese offers a recipe for creativity, delivered with his signature blend of cultural insight and comedic genius. Specifically, Cleese outlines “the 5 factors that you can arrange to make your lives more creative”.

The Fine Art of Being a Curator

The Fine Art of Being a Curator

Repost from an article in the NYT by Published: July 18, 2012

Over the last decade, as the contemporary art world has grown to planetary size — more galleries, more fairs, more art-selling Web sites, bigger museums, new biennials almost by the month — it has sometimes seemed as if a new kind of cultural figure has been born as well: the international curator, constantly in flight to somewhere.

The phenomenon is not wholly new. Roaming European curators like Harald Szeemann and Germano Celant set the terms in the 1960s. But the art world’s transformation has transformed the curatorial field, and this week you needed go no further than a few places in Manhattan to sample its increasingly global sweep. One afternoon in a meeting room near Madison Square Park a young Australian curator who specializes in aboriginal art was sitting next to a Yale-trained painter-art-professor-curator from Tennessee, who sat across a table from fellow curators from London, Beijing, Mexico City, Madrid (by way of Brazil) and Berlin (though working in Albania). In previous months curators from 20 other countries, many of them far from contemporary art’s beaten paths — Sri Lanka, Latvia, Nigeria, Bulgaria — had been in the city for the same reason.

Each of the curators had paid $1,900 — and in some cases more, for airfare and lodging — to come to New York for a 10-day training and networking program recently established by Independent Curators International, which has been known through most of its three decades for helping turn curators’ ideas into traveling exhibitions that are rented by established museums.

But over the last three years this nonprofit organization, based in modest offices overlooking lower Broadway, has reinvented itself, and its profile has begun to rise along with the profile of the profession.

While not exactly lucrative — the most recent snapshot by the Bureau of Labor Statistics puts the estimated mean salary of a curator, broadly defined, in the United States at $53,540 — the profession has grown rapidly in cachet. The word itself has seeped into the language, a little too deeply. (“Curate your Facebook profile like you curate your life,” a social media blog counseled recently.) And while the term “independent curator” is misleading — curators are usually attached to institutions or programs, if only temporarily — the example of itinerant curators who have become art-world celebrities in recent years, like Okwui Enwezor, Hans-Ulrich Obrist and Neville Wakefield, has had an effect.

“This whole phenomenon is really a post-millennium thing,” said Kate Fowle, a longtime British curator who took over as the executive director of Independent Curators in 2009 after working for a year as the curator of a new art center in Beijing. “It’s a profession growing at a very, very fast rate.”

Although precise numbers are hard to come by, Ms. Fowle said that an indication of the field’s size worldwide was that in the two and a half years since her organization started a training program in 2010, 672 applicants from more than 62 countries — “many more than we ever expected,” she said — have vied for what has turned out to be about 150 spots in the program, chosen by a jury. Two sessions are held each year in New York, each with room for only about 14 participants. And the popularity of the program quickly led Independent Curators to begin collaborations with other groups to start parallel training sessions elsewhere: in Philadelphia, Mumbai, Beijing and southeast Brazil, at the privately financed contemporary art complex known as Inhotim.

In New York this week the latest participants, ranging in age from early 20s to early 50s, spent time with some of the most prominent professionals of the city’s museums and nonprofit spaces: Nancy Spector, the chief curator at the Guggenheim; Scott Rothkopf, from the Whitney; Laura Hoptman from the Museum of Modern Art; Matthew Higgs from White Columns. The subjects and discussions — from the aesthetic subtleties of plinths and sandpaper tape to ideas about organizing exhibitions against one’s own taste — were as expansive and amorphous as the job description.

Ms. Spector spoke about the difficulties of “grappling with the authority” of the Guggenheim’s architecture (“I sometimes think that I can’t install in a square room anymore”), but also, more extensively, about the dangers of the “helicopter model of international curating,” which too often leads to superficial understanding of cultures and their art — and to bad shows, she said.

Mr. Rothkopf, who was headed to another curators’ conference in Boston the next day, extolled the virtues — those he joked might seem almost “neocon” in an accelerating art world — of working closely with museum collections and with artists over long periods of time to create exhibitions “that shape an argument.”

“I want to have some voice as a curator,” he said, “not just as a kind of movie producer.”

An unofficial theme of the gathering was a desire among many curators to find ways to to define themselves against the juggernaut of the commercial art world while still being able to pay the bills.

“It’s very hard for people doing this in China to find the right kind of place, that doesn’t feel like just a part of the market,” said Su Wei, an independent critic and curator from Beijing. Meaghan Kent, who worked for Chelsea galleries for many years and recently started a nonprofit program, site95, that organizes shows in temporary urban spaces, said that many curators she knows are as creative about their livelihoods as they are in their work with art and artists.

“There are a lot of people out there who are artist-curator-bartender-whatevers, and they just put it all together to make it work,” she said. “They want to be able to have the freedom to make things up as they go.”

Emilia Galatis, a curator from Perth, Australia, who spent part of last year in the desert meeting aboriginal artists, said that visiting New York and talking to curators from around the world underscored for her how far off the radar of contemporary art aboriginal art remains, and how narrow the focus of the curatorial field can be despite its size.

“It’s really hard even to talk precisely about global curating when the world is still so diverse,” she said.

But Mr. Su said that the more he traveled as a curator, the less diverse the art world was coming to seem. “I was at another curators conference just before I came here, in Guangzhou, and all the things we were discussing there weren’t much different from what we’re discussing here today.”

Reposted from http://www.nytimes.com/2012/07/19/arts/design/as-the-art-world-grows-so-does-the-curators-field.html?_r=2&ref=design
A version of this article appeared in print on July 19, 2012, on page C1 of the New York edition with the headline: The Fine Art Of Being A Curator.